奥奈特·科尔曼（Ornette Coleman）是一名出生于美国德克萨斯州的音乐家。科尔曼将自由爵士发展到了极致。大胆而毫无拘束的即兴演奏，让很多人都目瞪口呆。少年时开始自学中音萨克斯和次中音萨克斯，并将比包普大师查理·帕克奉为自己的偶像。其间他曾参与了当地许多爵士乐队的演奏，由于演奏风格过于前卫，科尔曼与许多合作者相处得不算愉快。

1958 年，科尔曼加入包罗·布雷的五重奏，并录制了第一张唱片《别的东西》。其后他受聘于著名的“五点”爵士乐俱乐部。科尔曼演出时手持一支白色塑料萨克斯，演奏方式极为自由随意，几乎完全不考虑爵士乐长期以来形成的和声、结构等即兴的基本规则，引起很多争议。一些人如著名爵士乐理论家纲瑟·舒勒认为：科尔曼前卫的思想和观念能够给爵士乐以新的启迪。而许多传统风格的爵士乐演奏家则认为科尔曼完全没有掌握基本的演奏技巧，只是在愚弄听众。

从 1959 年开始，科尔曼录制了一系列唱片，其中最著名的就是1960 年的专辑《自由爵士》。这专辑是现场演奏录音，科尔曼把乐师分为两个四重奏组，事先没有经过任何排练，也没有任何统一的曲调、调式、和弦以及乐曲结构，乐师们只凭现场的协调配合完成了这张专辑。专辑的退出如同一声号角，宣告了 60 年代自由爵士潮流的兴起。它激励爵士乐手们在更广阔的范围内探索爵士乐的发展。

奥斯卡·彼得森（Oscar Peterson）这位世界公认的超级爵士钢琴大师，以他那完美的技巧和顽强的音乐生命力在世界爵士乐坛上已经风靡了近 60 年，在当今活着的爵士音乐家中是首屈一指的。

奥斯卡·彼得森的确为爵士乐做出了巨大贡献。他的奥斯卡三重奏组驰名爵士乐坛40年之久，演出的场次和录制的唱片数量都是惊人的。他所创作的乐曲更是数不胜数。但对于大多数爵士乐爱好者来说，彼得森是以令人眼花缭乱的钢琴技巧著称。爵士评论家们也普遍认为听奥斯卡·彼得森的乐曲，无时无刻不感到他那绚烂的钢琴技巧，但他的音乐却令人感到有些“冷”，缺少些温暖的人情味。可是，如果你现在听一听 Telarc 唱片公司最近出品的一张叫做《奥斯卡的歌谣》的唱片，你就会立刻改变这种看法。这张CD 从7 张彼得森最著名的专辑中择取了 8 首最具浪漫和抒情风格的乐曲，每首乐曲都曾以细腻、质朴的感情色彩令无数听众迷醉。这张唱片中的乐曲证明了奥斯卡·彼得森创作和演绎爵士歌谣的超凡能力。许多摇摆时代的爵士巨匠在谈起演奏爵士歌谣时都会说了解歌词是演奏好歌谣的秘诀。这张唱片中的乐曲虽然都是器乐而无人声，而且其中有些乐曲的原创根本就没有歌词，但你可以感觉到奥斯卡·彼得森不仅将乐曲的音乐线条表达得非常清晰，而且将每一乐句的轮廓和气息都掌握得十分完美，好像他在用钢琴唱出他头脑中非常熟悉的歌词 。

杰奎琳·杜普雷（Jacqueline Mary du Pré，1945 年 1 月26 日-1987 年10月19日），英籍大提琴家。五岁即展现过人禀赋。十六岁开始职业生涯，才华与年龄的落差倾倒众生；1973 年，被确诊罹患多发性硬化症，遂作别舞台，卒于盛年。她用的最久的一把琴叫大卫朵夫（Davidoff），它就是现在马友友用的那把。她的故事在 1998 年改编为电影《她比烟花寂寞》。

杜普蕾演奏的 Elgar 没有人会错过，很多人都喜欢听她的协奏曲录音。在管弦乐衬托下，她全身投入，充满朝气，又不失女性的细腻，也不是完全没有节制的放纵自己的情感演出，从她手指尖的传递出来的琴音，让人完完全全地被她的热情与音乐诠释所感染。杜普蕾诠释艾尔加的 E 小调协奏曲无人能出其右。直到现在，据说只有马友友的演出稍许企及她的境界，但仍然有一段不小的差距。

据说匈牙利大提琴家史塔克有次乘车，听见广播里正播放大提琴曲，便问旁人是谁演奏的。旁人说是杜普蕾。史塔克说：“像这样演奏，她肯定活不长久。”好厉害的史塔克，真是一语成谶啊！也许只有顶尖的艺术家才能理解自己顶尖同行的水准，史塔克听得出，杜普蕾是用生命在演奏，为了琴艺的完美，可以不惜一切。杜普蕾一直是许多古典音乐乐迷心中的一个叹息。

Pee Wee Ellis 是一位著名的爵士乐演奏家和作曲家，以其卓越的萨克斯演奏技巧和音乐创作才华而闻名。他出生于 1943 年，职业生涯跨越了多个重要时期，对爵士乐的发展有着深远的影响。

Pee Wee Ellis 在个人早期音乐生涯中积累了扎实的爵士乐基础。他在纽约曼哈顿音乐学院学习期间，得到了爵士萨克斯风巨匠 Sonny Rollins 的指点。1965 年，他加入了JamesBrown 的乐队，并在不到六个月的时间内成为乐队指挥兼音乐总监，与James Brown合作创作了许多经典作品，如《Cold Sweat》和《Say It Loud》。这些作品不仅将传统爵士乐的元素融入 Funk 音乐，还对 Funk 音乐的发展做出了杰出贡献。被誉为 Funk神曲的“The Chicken”，正是 Pee Wee Ellis 在1969年在离开JamesBrown乐队后写下的作品——这首几乎成为每位现代音乐学习者必然演奏的作品，奠定了Ellis在音乐创作方面的地位。如果说 James Brown 的作品代表了人声Funk 巅峰，那么“TheChicken”则代表了器乐 Funk 之最。这首完美结合 Funk 律动和令人过耳不忘的旋律的作品，在Funk音乐中有着如似“So What”在爵士乐中的重要性。传奇电贝斯手Jaco Pastorious对这首作品情有独钟，正是他的演绎将这首作品发扬广大。

朗恩·卡特（Ron Carter） 1937 年 5 月 4 日生，美国低音提琴家。这是一位魁梧健硕的黑人乐手，身高两米，络腮胡须，镜片后的眼睛里透射出睿智的光芒，有时西装革履，有时则戴鸭舌帽着羊绒衫，手把低音提琴往那儿一站，绝对就是“人琴合一”的典范!端坐在万众注目的舞台上，他又自有一种优雅沉静的气韵，风度翩翩，令人仰视的威严自信与令人心仪的个性魅力交融于一身。凭借超凡入圣的技艺，他已经在爵士乐坛声名显赫 30 多年，作过无数次演出，雅致大方的衣着从来就没有弄皱过哪怕一点点，也从来没有显出过大汗淋漓的狼狈相……他，就是“贝司绅士”朗恩·卡特(Ron Carter)。如果爵士乐和摇滚乐一样有一个名人殿堂(Hall ofFlame)的话，那么朗恩·卡特这位贝司大师毫无疑问会在其中拥有一个他人不可替代的位置。朗恩在乐坛的名望是罕有其匹的，他有当然的资格为任何演奏家和乐团伴奏，同时，作为一位很少见的贝司独奏家，他能以极精湛的技巧和高超的鉴赏力来独立诠释音乐。他的演奏特别注重细节的分析、音质的纯净，在技巧上给人留下深刻印象，入耳难忘。他所赢得的一长串嘉奖和荣誉几乎无人堪与比肩，也许他可以称得上是当代最受欢迎的贝司演奏家，正如美国的《立体声评论》(“StereoReview”)杂志所说：“他的音乐所固有的质素，使爵士乐成为一种经久不衰、生机勃勃的艺术形式。”

萨姆·里维斯(Sam Rivers)，1923 年 9 月 25 日生于美国俄克拉荷马州，著名音乐人，美国自由与先锋爵士的代表人物。

萨姆·里维斯擅长萨克斯、笛子、单簧管和钢琴等多种乐器，是一位全能的音乐人和乐队领袖。从上世纪六十年代初至今，里维斯一共推出了 20 多张个人唱片，参与了几十张专辑的录制。在上世纪六十年代，在韦恩-肖特(Wayne Shorter)加入米尔斯-戴维斯(MilesDavis)乐队之前，里维斯一直都在戴维斯的乐队当中，参与了戴维斯《Miles In Tokyo》的录制。除了米尔斯-戴维斯之外，里维斯还曾与戴夫-何兰德(Dave Holland)、托尼-威廉姆斯(Tony Williams)、拉里-杨(Larry Young)、安德鲁-希尔(Andrew Hill)以及鲍比-哈奇森(BobbyHutcherson)等著名爵士音乐人有过合作，他参与过威廉姆斯的著名唱片《Spring》、《LifeTime》以及杨的著名专辑《Into Something》的录制。

“音乐就是他的生命，音乐是使他保持活力的元素，”里维斯的女儿莫妮克-里维斯-威廉姆斯(Monique Rivers Williams)说，“在我的眼里，我的父亲一生好像都在度假。他过去常常告诉我，‘我在工作，但我非常享受我工作的每一分钟’。退休这个词从来都不在他的字典里，‘我们为什么要提那个词呢’，他经常问我，‘这种事(退休)根本就不该存在’。”

莎拉·沃恩（Sarah Vaughan）是与埃拉·菲茨杰拉德和比莉·哈乐黛齐名的20世纪爵士歌坛三大天后，她音域宽广的优秀嗓音，全神贯注的情感激情和近乎完美的演唱技巧足以和全世界最杰出的歌手匹敌。

莎拉原本是教堂唱诗班的成员，在阿波罗剧院的歌唱大赛拿到大奖后进入爵士乐坛。1943年她加入了厄尔·海因斯的乐队，一年后与比利·艾克斯坦灌注了第一张唱片，很快便成为当时的首席歌手。她的声音可以诠释任何类型的音乐，让流行歌曲和小号、钢琴、鼓和贝斯一起摇滚，翻唱出了最时髦的波普音乐。

1954 年离开比利的乐队并和 John Kirby 短暂合作后，莎拉组建了自己的三重奏，以后的几年里，和迈克尔·戴维斯为 Mercury 合录的几张专辑及和克利福德·布朗合作的《SarahVaughan With Clifford Brown》都是当时的顶尖作品。莎拉真正将爵士演唱带到了最高峰。她从不仅仅局限于歌词和旋律，而进入真正的自我演唱领域，以戏谑式的唱腔强调歌词，并在旋律和和弦上加以变化，而她的 Scat 的即兴更是美妙，她能轻松地和乐手们一起跑出乐句。莎拉也发展出了自己的声音，即使在埃拉·菲茨杰拉德的光芒下也毫不逊色，她低沉、迷蒙的低音可以涵盖次中音萨克斯所有音域，而演唱高音乐段时又像丝绒般平滑。她善于运用音量强弱的变化来营造一种动态感，并能随机地加强或减弱演唱的强度来配合乐队演奏。

桑尼克拉克（Sonny Clark），他是那个时代少有的有着强烈个人风格的硬波普钢琴手。可惜的是，和无数的爵士天才一样，clark 也被毒瘾所害，早早的在60 年代初去世，年仅32岁。如果 clark 能再多活十几二十年，也许会是第二个 don pullen？sonny clark 生前非常不得志，作为 leader 留下的录音也是寥寥无几，大多都集中在bluenote。这张 59 年的专辑阵容不可谓不强大，第一个 session 有donaldbyrd和hankmobley（又一个郁郁不得志的天才），第二个 session 有 clifford jordan 和kennyburrell，更有鼓手 art blakey 和 pete la roca 助阵，但可惜也淹没在 bn 深不见底的片库里，只在2000年的鉴赏家系列里再版过一次，现在也许只能从日版里寻找了。

1954 年底，索尼·罗林斯暂别爵士圈，直到 1955 年底在Prestige 推出了自己名下的第一张专辑《Worktime》，此时他的演奏已经比较成熟。接下来的《Tenor Madness》、《Saxophone Colossus》等专辑实际上已经将 Sonny 推到了同时代萨克斯手的前列。同时期他与 Clifford Brown、Max Roach 的合作可谓爵士史上经典组合，只可惜天才小号手车祸身亡。1956 年开始，Sonny 为 Blue Note 录制唱片，虽然数量很少，但是每一张都质量上乘。而 Sonny 并不满足于此时的成就，1959 年到 1961 年，Sonny 再度引退。深夜里一个人在威廉斯堡桥上对着河水苦练的传说已经成为著名的爵士故事。这段时间，索尼·罗林逐渐开始树立自己的风格，并成为萨克斯旗手，而 Ornette Coleman 则为自由爵士找到发展的方向。1962 年在 RCA 以《The Bridge》再度出山的 Sonny 也在不断发展着爵士乐。《TheBridge》由于有 Jim Hall 的加盟，整张专辑风格优美感性，同时 Sonny 充分发挥了即兴旋律的特长。但这只是一个开始，1960 年代的 Sonny Rollins 保持着旺盛的创作力，有时一脚踏进前卫，有时又不经意拿出回溯源头的作品，出入自如。1960 年代末，John Coltrane 去世，爵士乐告别了最辉煌的年代，Sonny 再次隐退。70 年代重新出发后，他的音乐里也加上电声，向摇滚和流行的趋势靠近，1980 年他还出现在 Rolling Stones 的《Tattoo You》专辑里。1998年《Global Warming》专辑才回到原声爵士。2000 年 70 高龄的大师还出版了新专辑《ThisIs What I Do》。

斯坦·肯顿（Stan Kenton），美国作曲家，钢琴家。他带领的乐队被誉为“史上最具实验性的乐团”。而他的团员来来去去，皆是西岸爵士最重要的人物，任何人们想得到的西岸乐手都曾在他团里待过。代表作《Stan Kenton's Two Moose In A Caboose》《ÉxitosenJazz》。

史坦利乔登（Stanley Jordan）点弦大师，Stanley 运用一种名为点弦的技术，使得他的音乐像管弦乐一样复杂，听起来好像有两个甚至三个吉他手同时演奏。Stanley 运用一种名为点弦的技术，这使得他的音乐像管弦乐一样复杂，听起来好像有两个甚至三个吉他手同时演奏。其他的吉他手，像 Jimmy Webster, Lenny Breau, EdwardVanHalen 及 Emmett Chapman 已经使用过这种技术，但是 Stanley Jordan 在此基础上独特的发展和创新了它。今天，他被普遍认为是第一位点弦吉他手。他也精通拨片和手指弹奏。Stanley Jordan 总是饱含深情的演奏，当你第一次看到他的表演时你就会被他强烈的感情打动。无数次他全身心的投入到音乐中，作为一个听众，你很难不被他的这种情绪所感染。Stanley 将把你带到一个全新的世界，在这里你将感受到音乐的神奇与美妙。无论是弹奏他以前的歌曲，还是在演唱会上的即兴表演，你总能从他的音乐中发现新鲜的东西，即使在同一个晚上听他演奏同一首歌，你也将体会到迥然相异的感受。正因如此，我们很难确定他的音乐风格。虽然最开始人们把他当作爵士乐吉他手，但他大胆的拓展了他的音乐领域。你如何定义一个将巴洛克和布鲁斯风格融合在同一乐章的音乐家呢？又有谁能在爵士乐中加入带有失真的摇滚元素呢？

萨克斯风手斯坦利·特伦坦(Stanley Turrentine)在爵士乐史已然占据了稳固的位置，他以如烤透了的松饼般厚重柔软的演奏声建立了个人的特色，扎实的蓝调与灵魂草根性让他的作品听来永远那么销魂。Turrentine 最著名的录音全都收录在 60 年代的Blue Note，十年间为该公司录制了 25 张作品，足以证明他的价值。

1960 年 6 月，Stanley Turrentine 和钢琴手 Horace Parlan、贝斯GeorgeTucker及鼓手 Al Harewood，录制了在 blue note 时期的第一张专辑《Look Out》，StanleyTurrentine是著名的 soul jazz 好手，但整张专辑除了 Journey Into Melody 和Little Sheri 外，都是不折不扣的 hard pop 曲风，顶多偷渡些装饰用的 soul jazz 而已，但就是这一点点甜美的souljazz，让粗犷的 hard pop 多了不少亲和力。

泰德．达美隆(Tadd Dameron) 是一位爵士钢琴手，同时也是爵士作曲家与编曲家。他创作过不少经典的爵士曲，包括这首 Lady Bird。这首歌曲以Bebop 的角度来说并不复杂，毕竟是 1939 年的作品了。然而，它简单好听，深受广大爵士乐手与乐迷的喜爱，出现在许多经典唱片中，被无数的大师演奏过。

生于 1921 年美国纽约是塔尔．法洛(Tal Farlow)是爵士乐电吉他手中的异数，他的语法让吉他的起伏多变有力，不独如此，为了要成全其吉他音色的刚柔，他还亲手改装其电吉他,将令人惊骇的速度和大胆的和声相结合，创造了革新性的单音演奏风格，推促着爵士吉他演奏进入了 bebop 时代。

Farlow 首次给爵士乐坛带来冲击是在 1949 年与 Red Norvo 三重奏乐团一起演出，乐团的贝司手是 Charles Mingus。1954 年，Farlow 开始为著名爵士乐指挥家NormanGranz的 Verve 唱片公司灌制唱片。1949 年 Tal Farlow 加入 Red Norvo 乐队，次年更与传奇贝斯手 Charles Mingus 交锋，展现出有如快刀斩乱麻的吉他音色。不久Farlow却将其演奏重点置于电吉他音色的处理上，其后期加入 Artie Shaw 五重奏时的录音记载可见一斑。50年代，Farlow 进入半退隐状态，出人意表的是，60 年代复出后于 Prestige 的录音作品中，喜见其成熟内敛的吉他表现，与萨克斯风手 Sonny Criss 的合作更见精彩的演出默契。80年于威尼斯爵士嘉年华中的现场演出更被乐评广誉为当代听过最好的吉他solo。Tal Farlow 是一个天生的速度之魔，他在短短的一年内就已经成为一个出色的专业乐手了。他是第一个讲究演奏技术和手指灵活性的乐手，他的快的离奇的爵士bop乐句至今仍激励着吉他手们达到更高的速度。他对节奏有着深刻的理解，作为Red Norvo三重奏组的吉他手，他仍然能演奏出炽热的 solo，使音乐充满生机。

泰德‧琼斯(Thad Jones)是一位著名的爵士乐歌手，他的代表作品包括《HardBop(HqRemastered)》和《The Fabulous Thad Jones, Vol. 1 (All Tracks Remastered)》等专辑。这些专辑在 2021 年发布，展示了他在爵士音乐领域的才华和影响力。此外，Thad Jones 的职业生涯中还发表了多张专辑，如《Magic Moments withThadJones》、《Headman》和《Music & Wine with Thad Jones》等1。这些专辑不仅在音乐市场上取得了成功，也得到了乐迷和评论家的好评。

除了音乐事业，Thad Jones 还在哥本哈根拥有一家名为Thad Jones Vej Apartment的酒店。这家酒店提供免费 WiFi 和免费停车服务，适合家庭入住，特别适合带小孩的家庭。

塞隆尼斯·蒙克（Thelonious Monk，1917–1982 年），美国爵士乐作曲家、钢琴家。波普爵士乐创始人之一，大大促进了冷爵士乐的发展。蒙克的作品具有和声进行不同寻常、采用不和谐音、节奏和即兴演奏复杂的特点。他的《午夜圆舞曲》、《忧郁的修道士》、《恢复正常》以及《露比，我亲爱的》等多部作品，已成为爵士乐经典之作。蒙克生于北卡罗来纳州落基山，在纽约长大。六岁就会弹奏钢琴。20 世纪40年代早期，蒙克、迪吉·格莱斯彼、查理·帕克等黑人音乐家纷纷举办爵士乐即兴演奏音乐会，从而促进了博普爵士乐的发展。很多评论家、音乐家觉得蒙克的音乐难以理解，致使蒙克很难找到工作。直到 50 年代晚期，蒙克的才华方被认可。

Thelonious Monk 具有一种独一无二的能力，能将精致、令人惊讶的和声转接以及古怪的节奏融进疯克味十足的 Riff 中，他的作品实际上比其他人的更有穿透力，对爵士乐来讲，这是种最高的赞扬。

蒂娜·布鲁克斯(Tina Brooks)一位当之无愧的硬波普大师，他游刃有余的节奏感与毫无雕琢之感的音乐呈现，成功让他在群星璀璨的硬波普时期占据重要地位。尽管他最开始更多的是作为伴奏乐手出现在 John Coltrane，Herbie Hancock，Kenny Burrell 等名家的录音作品当中。

爵士小号手 Freddie Hubbard 曾赞扬道：“Tina Brooks 拥有极佳的乐感，为我的第一张专辑写了“Gypsy Blue”，他能即兴创作出特别美好的曲子，他让我的首张专辑异彩纷呈，是一个充满激情和灵感的家伙。”

Tina Brooks 的演奏风格不同于当时其他的萨克斯风乐手，他的即兴乐句听来内敛不张狂，并喜欢在主流架构的边缘上游移，而开放式的即兴手法则让听者难以去预料他的下一步，或者可以换个角度看，Tina Brooks 即兴的不可预测性或许是因为他仍在摸索方向，然而方向尚未固定，人却已远去。

托尼•威廉姆斯（Tony Williams）——20 世纪 60 年代最重要、最有影响力的爵士鼓手大师之一。他从小跟随鼓手阿兰·道森（Alan Dawson）学习爵士鼓，13 岁便开始与萨克斯手山姆·瑞佛斯（Sam Rivers）一起演奏。17 岁时，威廉姆斯加入小号演奏家迈尔斯·戴维斯（Miles Davis）的乐队。威廉姆斯是乐队的重要组成部分，戴维斯在他的自传中称其为“乐队声音围绕的中心。”他的演奏通过同时使用两种或多种不同节奏型的节奏，重新定义了爵士节奏声部的作用。

1969 年，威廉姆斯与吉他手约翰·麦克劳林（John McLaughlin）、风琴手拉里·杨（LarryYoung）组成了 Lifetime 三重奏，是融合爵士的先驱乐队。1975 年，威廉姆斯组建了一个他自称为“新托尼·威廉姆斯一生”的新乐队，并在哥伦比亚唱片公司录制了两张专辑《BelieveIt》、《Million Dollar Legs》。

1976 年，威廉姆斯参加了迈尔斯·戴维斯乐队的重聚，并发布了专辑《V.S.O.P》。1979年，威廉姆斯、麦克劳克林和贝斯手杰可·帕斯透瑞斯（Jaco Pastorius）联合在哈瓦那爵士音乐节上进行了一次演出，这次的三重奏在后期成立乐队，名为“末日三重奏”（Trioof Doom）。1985 年，他回到 Blue Note，并为其录制了一系列唱片。年末，他与钢琴家马尔格鲁·米勒（Mulgrew Miller）、小号手华莱士·罗尼（Wallace Roney）、萨克斯手比尔·皮尔斯（Bill Pierce）和贝斯手查内特·莫菲特（Charnett Moffett）组成了一个五重奏，并进行了全球巡演。

蒙哥马利的爵士吉他演奏对于现代爵士吉他手的影响非常之大，在早期，属于吉普赛爵士吉他演奏家迪亚戈和 swing bop jazz 吉他演奏家查理 查理斯迪安的时代，wes加入了Tal Farlow ，强尼史密斯等组成的乐队并担任吉他手，这段时期大体上阻止了对于wes在60年代的个人发展。蒙哥马利在那个时期与迈尔斯戴维斯、约翰柯川等优秀的爵士音乐演奏家录制影像，并在他的追随者中形成了广泛的受尊重的地位。这样的情况下，很多乐手开始模仿他的演奏形式并加入到新的音乐格式中。

由于使用独特的八度演奏技巧，他的演奏被赞誉为“the Naptown Sound”，据说，他练成这种独特的演奏方式还是源于他的妻子，因为那个时候蒙哥马利的工作十分辛苦，所以总要晚上练习吉他。由于他的太太晚上要睡觉，他就只能采用一种安静一点的演奏方式，由此他的演奏及富特点，用大拇指扫八度音的技巧，不仅影响了之后的爵士乐手，在当今很多吉他手也被他深深的影响，比如 JS 和 Steven Vai。

玛丽亚·卡拉斯（Maria Callas，1923 年 12 月 2 日~1977 年9 月16 日），著名美籍希腊女高音歌唱家。8 岁便开始学习钢琴，二十世纪最伟大的歌剧女王。1923 年出生于纽约，1937 年随母回国，就学于雅典音乐学院。1941 年在雅典歌剧院正式登台，1947年在意大利维罗纳演出歌剧《拉焦孔达》一举成名。此后两年在威尼斯演唱绮瑟、杜朗多、布琳希尔德等戏剧性女高音的角色。1950 年进入米兰拉斯卡拉剧院，演出了《阿依达》。1965年在英国演出最后一场《托斯卡》后，退出舞台。

卡拉斯的清脆嗓音的确是希腊歌剧演唱史上的一个奇迹，她那唱做并重的高超表演艺术，成为当代歌剧艺坛上的典范。有人把她和恩里科·卡鲁索、夏里亚宾并列为20 世纪对后世影响最大的 3 位歌唱家。她的嗓音音域宽广，既能唱最轻巧的花腔女高音，又能唱强烈的戏剧女高音，甚至女中音卡门等角色，因而赢得全才女高音的桂冠。卡拉斯的影响力除了乐坛，她强烈的艺术家个性和脾气、悲剧性的爱情，都成了国际媒体的焦点。然而，她的歌声和歌剧表演艺术，通过影像和唱片永恒地保留下来。卡拉斯于1977年在巴黎的寓所因心脏病发作去世，舆论界形容她因为心碎而逝，因为她热爱的男人，希腊船王奥纳西斯抛弃了她而迎娶美国肯尼迪总统的遗孀杰奎琳。卡拉斯就和她扮演的众多歌剧里的悲剧女主人公一样，为了爱情而陨落。

温顿·马萨利斯（Wynton Marsalis）1961 年 10 月 18 日出生在美国路易斯安那州新奥尔良的音乐世家，其父亲是著名的爵士钢琴家艾里斯·马萨利斯，哥哥布兰福德·马萨利斯是全美最富盛名的爵士萨克斯管演奏家，此外兄弟德尔菲约和杰森也都是爵士音乐家，因此人们将这个家庭称为爵士乐“第一家庭”。

年轻的马萨利斯就成了爵士音乐界谈论的焦点，1982 年他离开了大爵士乐团与哥哥布兰福德成立了自己的乐队。这时的马萨利斯，小号演奏听起来越来越近似于迈尔斯·戴维斯的声音，并对于戴维斯作品的演绎具有艺术鉴赏家的技巧。在此时他受到了爵士评论界的高度评价。1990 年，马萨利斯录制了《明天的曲调》。在这张专辑中人们已经能很容易地捕捉到马萨利斯的独特风格，在他的音乐中，人们不难听出他在沿着早期的爵士乐流派，如阿姆斯特朗的演奏风格，继续探索。他成功地在小号的演奏中运用了弱音器，而且深入地研究了埃林顿公爵。从这时起，马萨利斯即便是在演奏戴维斯的标准经典作品时，也都能体现出他独有的风格特点，从而最终建立起自己在爵士乐坛的地位。

除爵士乐外，马萨利斯还在古典音乐领域中显露出非凡的艺术才华，自从1983年，他灌制第一张古典 CD 后，很快就在这一领域中取得了成功，被世人称为本世纪最出色的古典小号演奏家。

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